LOS AÑOS 60-70
EXPRESIONISMO ABSTRACTO.
El expresionismo abstracto: un movimiento pictórico contemporáneo dentro de la abstracción, en concreto, las tendencias informalistas y matéricas posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Surgió en los años 1940 en Estados Unidos y se difundió, décadas después, por todo el mundo. Se considera el primer movimiento genuinamente estadounidense dentro del arte abstracto, y ejemplo del liderazgo en materia de artes plásticas.
Características formales de este estilo.
En primer lugar, su preferencia por los grandes formatos. Trabajaban normalmente con óleo sobre lienzo. Generalmente son abstractos en el sentido de que eliminan la figuración. No obstante, hay excepciones y algunos emplean trazos figurativos, apareciendo figuras reconocibles, como ocurre con las Mujeres de Willem de Kooning. Las telas presentan un aspecto geométrico que las hace diferentes de movimientos precedentes, como el surrealismo. Una de las características principales de los expresionistas abstractos es la concepción de la superficie de la pintura como all over (cobertura de la superficie), para significar un campo abierto sin límites en la superficie del cuadro: el espacio pictórico se trata con frontalidad y no hay jerarquía entre las distintas partes de la tela. El cromatismo suele ser muy limitado: blanco y negro, así como los colores primarios: magenta, amarillo y cian. Los pintores expresionistas que redujeron la obra a prácticamente un solo color, estaban ya anticipando el arte minimal. Este tipo de cuadros, con violentos trazos de color en grandes formatos, presenta como rasgos distintivos la angustia y el conflicto, lo que actualmente se considera que refleja la sociedad en la que surgieron estas obras.
Orígenes:
Los expresionistas tomaron del surrealismo aquello que de automático tenía el acto de pintar, con sus referencias a los impulsos psíquicos y el inconsciente. Pintar un cuadro era menos un proceso dirigido por la razón y más un acto espontáneo, una acción corporal dinámica. Les interesó, pues, el «automatismo psíquico» que hiciera salir de su mente símbolos y emociones universales. No es extraño que les interesara entonces el surrealismo más simbólico y abstracto, el de Miró, Arp, Masson, Matta, Wolfgang Paalen y Gordon Onslow Ford, más que el surrealismo figurativo. De ellos tomaron las formas orgánicas y biomórficas.
Tendencias en el expresionismo abstracto
Action painting: l centro de interés de la action painting es el gesto o movimiento de pintar, llamándosela también «pintura gestual» por la primacía que dio al procedimiento pictórico en sí. Se hace del acto de pintar un gesto espontáneo. Es un tipo de automatismo que plasma el estado físico y psíquico del pintor. De esta manera, elimina los límites tradicionales entre el pintor y la pintura, ligando la acción de pintar con la biografía del artista. Artista destacado es Jackson Pollock (1912-1956), Se le relaciona con el surrealismo en la medida en que su obra pictórica se basa en el «automatismo», en una escritura automática que pretende reflejar los fenómenos psíquicos que tienen lugar en el interior del artista.
Color-field painting o «pintura de campos de color»: Surgió igualmente en torno al año 1947. Crearon cuadros en los que dominaban amplias áreas de color, todas ellas de igual intensidad. No hay en sus obras contrastes de luz o de colores. El dibujo y el gesto se hicieron simples. En muchas obras se trabajaba con un solo color con diferentes tonalidades. Son cuadros cercanos al neoplasticismo pero, a diferencia de él, las áreas de color son abiertas, y parecen seguir más allá de los bordes del cuadro. Dentro de esta tendencia se enmarca la obra de Clyfford Still (1901-1980), Mark Rothko(1903-1970), Barnett Newman (1905-1970) y Enrico Accatino (1920-2007).
Jackson Pollock
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FRANCIS BACON NUEVO EXPRESIONISMO FIGURATIVO EN EL SIGLO XX:
Francis Bacon (Dublín, Irlanda, 28 de octubre de 1909-Madrid, España, 28 de abril de 1992) fue un pintor de estilo figurativo idiosincrásico, caracterizado por el empleo de la deformación pictórica y gran ambigüedad en el plano intencional. Fue autor de 584 pinturas y alrededor de 600 dibujos.
La obra pictórica de Francis Bacon se inscribe en el marco de la pintura figurativa realizada después de la Segunda Guerra Mundial, el así denominado "arte de posguerra".
Estilísticamente, a lo largo de su carrera Bacon recurrió tanto al surrealismo como al expresionismo, mas su obra pertenece a aquello que se denomina Nueva Figuración o Arte Neofigurativo, tendencia de posguerra que retoma la figura humana pero a su vez también la distorsiona. Bacon posiblemente sea el representante más destacado de la mencionada tendencia. A la pintura de Bacon también se la considera en términos de "Arte Existencialista". Y, si bien todas las designaciones mencionadas son pertinentes en el caso de Bacon (y a veces incluso complementarias entre ellas), lo cierto es que la pintura de Bacon suele por lo general resistirse a ser clasificada. Bacon plasmó considerable angustia en sus cuadros. Trabajó la representación de la figura humana pero desfigurándola y posicionándola en espacios cerrados e indeterminados.
Bacon recurrió a un sinnúmero de imágenes provenientes de la Historia del Arte, los medios de comunicación masiva, y fotografías e ilustraciones médicas provenientes de manuales diversos.
Lucian Freud
Pintoras relevantes en el expresionismo abstracto:
Janet Sobel fue una artista ucraniana-estadounidense vinculada al expresionismo abstracto cuya carrera comenzó a los 45 años. Incluso con una carrera artística tan breve como la suya, Sobel fue la primera artista en utilizar la técnica de pintura por goteo que influyó directamente en Jackson Pollock.
Según Levin, Gail (2003): "Sobel usó la música para inspirarse y estimular sus sentimientos hacia su lienzo. Las obras de Sobel ejemplifican la tendencia a llenar cada espacio vacío, a menudo conocido como horror vacui. A menudo representaba sus sentimientos a través de experiencias pasadas. Su representación de soldados con cañones y ejércitos imperiales, así como familias judías tradicionales, refleja las experiencias de su infancia. Sus figuras a menudo demostraban la época del Holocausto, donde revivió el trauma de su juventud. A través de sus traumas y su problemática juventud, Sobel encontró un reino seguro para su imaginación y angustia a través del arte".
El crítico de arte Clement Greenberg que promovió el movimiento del Expresionismo abstracto y al pintor Jackson Pollock, infravaloró la obra de Janet Solvet considerándola como pintora "primitiva" considerada como inferior debido a su condición de ama de casa. de todas formas fueron tres años en que las obras de Janet Solvet circularon en las galerías de Nueva York hasta el momento que despegó la carrera de Pollock.
Janet SobelVía láctea1945 |
Janet Sobel IntituladoC. MOMA1946 |
Artículo sobre Janet Sobel |
Artículo sobre la pintura por goteo de Janet Sobel. |
ARTE EN ESPAÑA
Grupo el Paso:
El Paso es un colectivo de artistas fundado en febrero de 1957 en Madrid, siendo el grupo de mayor relevancia en la configuración y definición de la vanguardia española de posguerra. El Grupo El Paso desempeñó un papel fundamental en el proceso de normalización de una vanguardia, desorientada y dispersa desde el final de la Guerra Civil. Presenta una significación singular debido a la procedencia dispar de sus miembros, su coherencia plástica, a pesar de la fuerte individualidad de cada uno de sus componentes, y a su ideología comprometida y radical.
Los integrantes de El Paso en el momento de la firma del manifiesto y en sus primeras exposiciones como colectivo fueron los pintores Rafael Canogar, Luis Feito, Juana Francés, Manolo Millares, Manuel Rivera, Antonio Suárez, Antonio Saura y el escultor Pablo Serrano. Junto a estos artistas formaron parte del grupo los críticos de arte José Ayllón y Manolo Conde. En el año 1958 se incorporan los artistas Martín Chirino y Manuel Viola. También se incluye al arquitecto Antonio Fernández Alba.
la escultura expresionista española
Eduardo Chillida Juantegui (San Sebastián, 10 de enero de 1924-ibídem, 19 de agosto de 2002) fue un escultor y grabador español conocido por sus trabajos en hierro y en hormigón, destacado continuador de la tradición de Julio González y Pablo Picasso. Perteneció al movimiento de arte abstracto |
Jorge de Oteiza Embil (Orio, Guipúzcoa, 21 de octubre de 1908 - San Sebastián, Guipúzcoa, 9 de abril de 2003) fue un escultor y poeta español. Se le considera uno de los máximos exponentes de la Escuela Vasca de Escultura. Ha estado en movimientos artísticos como el constructivismo, el Land Art, el Arte abstracto y el Equipo 57. |
Agustín Ibarrola Goicoechea (Basauri, Vizcaya, 18 de agosto de 1930) es un pintor y escultor español dentro del arte abstracto, ha estado en los movimientos cubistas, constructivista, expresionista, Land Art, pintura social y Equipo 57.
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El arte cinético
El arte cinético es una corriente de arte en que las obras tienen movimiento o parecen tenerlo. Es una tendencia de las pinturas y las esculturas contemporáneas creadas para producir una impresión de movimiento. El arte cinético y el arte óptico son corrientes artísticas basadas en la estética del movimiento.Tiene como precedentes las esculturas de Naum Gabó.
Características:
*El arte cinético se basa en la búsqueda de movimiento, pero en la mayoría de las obras el movimiento es real, no virtual.
*Para realizar la obra el artista se plantea y sigue una estructura rigurosamente planificada.
*La mayoría de las obras cinéticas son tridimensionales, se despegan del plano bidimensional.
*Los recursos para crear movimiento son demasiados, tales como el viento, el agua, motores, luz, electromagnetismo.
I Exposición Internacional de Escultura en la Calle en Santa Cruz de Tenerife
Martín Chirino
Martín Chirino López (Las Palmas de Gran Canaria, 1 de marzo de 1925-Madrid, 11 de marzo de 2019) fue un escultor español. Cofundador del grupo El Paso en 1957, Chirino empleó principalmente el hierro y su obra se enmarca dentro del arte abstracto.
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Arquitectura española:
Francisco Javier Sáenz de Oiza
Miguel Fisac
ARTE POP
Arte pop es un movimiento artístico surgido en Reino Unido y Estados Unidos a mediados del siglo XX, inspirado en la estética de la vida cotidiana y los bienes de consumo de la época, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine. El arte pop, como la música pop, presenta una forma de ver y tratar el arte, más global y social, no para pocos (elitista), sino para todos (popular), al utilizar imágenes populares en oposición a la cultura elitista existente en las Bellas Artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras, además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.
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LA MÚSICA POP
ANTECEDENTES:
La música pop es un género de música popular que tuvo su origen a finales de los años 1950. Toma de otros estilos como el urban, el dance, el rock, la música latina, el rhythm and blues o el folk.Con todo, hay elementos esenciales que definen al pop, como son las canciones de corta a media duración, escritas en un formato básico (a menudo la estructura estrofa-estribillo), así como el uso habitual de estribillos repetidos, de temas melódicos y ganchos. La instrumentación se compone habitualmente de guitarra, batería, bajo, guitarra eléctrica, teclado, sintetizador.
Historia de la música pop: https://www.youtube.com/watch?v=GbA-EAHL1jg&t=1s
Bing Crosby fue el primer artista en ostentar el seudónimo de "Rey del Pop", su gran popularidad en todo el mundo durante los años 40, 50, 60 y su contribución musical lo hicieron acreedor a esta definición |
Innovaciones tecnológicas:
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Historia de la música pop en el siguiente vídeo:
LOS BEATLES
The Beatles fue una banda de pop/rock inglesa activa durante la década de 1960, y reconocida como la
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Recursos para la materia de Fundamentos del Arte II elaborados por la autora del blog:
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MÚSICA POP A PARTIR DE LOS 80:
A comienzos de los 80, la promoción de la música pop se había nutrido del auge de los programas y canales
musicales de televisión, como la MTV, que «favorecieron a aquellos artistas como Michael Jacksony Madonna que poseían un fuerte atractivo visual».
EL HIPERREALISMO
El hiperrealismo es un género de pintura y escultura que se asemeja a la fotografía. El hiperrealismo es considerado un avance del fotorrealismo por los métodos utilizados. El término se aplica a un movimiento y estilo de arte independiente que surge en Estados Unidos y Europa a finales de 1960 y a principios de 1970.
El fotorrealismo como precursor del hiperrealismo. En la década de 1920, los pintores del precisionismo ya trabajaron con la ayuda de fotografías fielmente reproducidas (como en el caso de Charles Sheeler, pintor y fotógrafo a la vez). Pero es innegable que el arte pop sigue siendo el precursor inmediato del hiperrealismo, pues toma la iconografía de lo cotidiano, se mantiene fiel a la distancia de su enfoque y produce las mismas imágenes neutras y estáticas. Los fotorrealistas nunca se constituyeron en grupo, pero sí hicieron exposiciones que los presentaron como un estilo: La Imagen fotográfica y 22 Realistas, ambas en Nueva York, a mediados de los años sesenta. En esa época la abstracción era la tendencia dominante y el realismo estaba mal visto; se consideraba un arte que copiaba de fotografías o de la realidad y sin ningún interés. Sin embargo, artistas como Chuck Close o Richard Estes desarrollaron técnicas totalmente nuevas de representación de la realidad, consiguiendo resultados a veces asombrosos. Otros artistas estadounidenses de esta tendencia son Don Eddy, John Salt, Ralph Goings, Robert Cottingham, John Kacere, Paul Staiger, Richard McLean, Malcolm Morley y John de Andrea.
EN ESPAÑA:
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PACO DE LUCIA Y CAMARÓN
Francisco Sánchez Gomes (Algeciras, España; 21 de diciembre de 1947-Playa del Carmen, México; 25 de febrero de 2014), más conocido como Paco de Lucía, fue un músico y compositor español considerado el mejor guitarrista de flamenco contemporáneo y uno de los más virtuosos del instrumento a nivel mundial.
Se dio a conocer al mundo flamenco español en el Concurso Internacional de Arte Flamenco de Jerez de la Frontera de 1962.A partir de la publicación de Fuente y caudal en 1973, su música llegó al público mayoritario. Con el paso de los años su música fue progresivamente abriéndose a nuevos estilos al tiempo que comenzaba a interpretarse en ámbitos más alejados de los tradicionales tablaos españoles y latinoamericanos. Actuó con éxito en Europa, Norteamérica y Japón, ocupando estas giras la mayor parte de su tiempo.
Considerado una de las principales figuras del flamenco actual, se le atribuye la responsabilidad de la reforma que llevó este arte a la escena musical internacional gracias a la inclusión de nuevos ritmos desde el jazz, la bossa nova y la música clásica
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José Monje Cruza (San Fernando, Cádiz, España, 5 de diciembre de 1950-Badalona, Barcelona, España, 2 de julio de 1992), conocido artísticamente como Camarón de la Isla o simplemente Camarón, fue un cantaor de etnia gitana español considerado como el mejor cantaor de flamenco contemporáneo y una de las más importantes figuras del flamenco. En el 2000, le fue concedida a título póstumo la Llave de Oro del Cante. Entre su exitosa y amplia discografía (con 17 títulos) destaca Soy gitano, su primer disco de oro.
En 1968 Camarón llega a ser fijo en el tablao de Torres Bermejas de Madrid, donde permanecería durante doce años acompañado a la guitarra por Paco Cepero. Su nombre comienza a ser cada vez más conocido y participa en la película Casa Flora, protagonizada por Lola Flores. En Torres Bermejas conoce al maestro Paco de Lucía, con el que grabaría nueve discos entre 1969 y 1977,
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